На рубеже XVIII и XIX вв. складываются два стилистических направления — классицизм и ампир. Оба стиля характеризуют время правления Наполеона Бонапарта. С 60-х годов XVIII в. французские мастера обратились к классицизму. В его формировании большую роль сыграли раскопки 1719 г. в Геркулануме и 1748 г. в Помпеях. Обозначилась тенденция «возврата к античности». В этом процессе немаловажное значение имели опубликованные И. И. Винкельманом в 1750—1760-х гг. исследования, посвященные античному искусству.

Прикладное искусство находилось под влиянием архитектуры, ее точных линий. Формы изделий стали проще и строже, их силуэт — спокойнее, предметы опирались на устойчивые, массивные граненые ножки-завитки. Декор классицизма логичен и ясен, для него характерны симметрия и уравновешенность.

Изменилась его функция. Если рокайльный декор скрывал конструкцию, маскировал переход одной части в другую, классический подчеркивал членение предметов. Излюбленными элементами орнаментики классицизма были медальоны, венки, факелы, античные алтари, урны, треножники, драпировки и различные изображения мифологических существ.

Классицизм XVIII в. имеет как бы две основные фазы существования: первая, «королевская» фаза — стиль, возникший при дворе Людовика XVI и имеющий органичные связи с рококо. Вторая фаза — стиль Директории, возникший в послереволюционный период как своеобразное продолжение, усиление классицистического начала.

Металл. В XVIII столетии большое внимание уделялось декоративному оформлению обеденного стола. Обычно в центре стола помещались большие серебряные или бронзовые вазы для цветов, фарфоровые скульптурные группы, изображавшие героев античной мифологии.

Между ними ставили серебряные или бронзовые многорожковые канделябры и подсвечники, серебряные суповые чаши, блюда с крышками, бутылочные и рюмочные передачи. Главным создателем серебряных столоны х сервизов был придворный мастер Людовика XVI Р.-Ж. О пост. В его творчестве отразились особенности периода становления классицизма, когда в произведениях сохранились характерные для рококо элементы декора: подвешенные на лентах с бантами цветочные и лиственные гирлянды, корзины цветов, амуры в грациозных позах, разделка поверхности спиралевидными или прямыми желобками.

В период классицизма и в последующее время французские серебряники проявляли повышенный интерес к фактуре металла, выразительность которой усиливали сплошное золочение и полировка, доведение до зеркального блеска. Такая техника использовалась в так называемых туалетных гарнитурах. Они состояли из зеркал, коробочек для драгоценностей и пудры, рукомойных приборов, а также предметов для десерта. Такое соединение десертных сервизов и туалетных гарнитуров было вызвано обычаем светских людей принимать гостей в будуарах.

 

Французские ювелиры классицизма для украшения изделий наряду с другими техниками активно применяли эмаль по гильошировке и живописную эмаль. В их произведениях общему характеру декора отвечал спокойный колорит эмали, построенный на сочетании серого, голубого, синего, розового, зеленого, белого цветов в точно найденных соотношениях.

В XVIII в. ни одна страна не могла соперничать с Францией в производстве изделий из серебра и золоченой бронзы. Указ конца XVII столетия, запрещавший изготовление мебели из драгоценных металлов, стимулировал развитие декоративной бронзы, которая стала одним из самых популярных видов прикладного искусства. Этому также во многом способствовало объединение во второй половине XVIII в. серебряников и бронзовщиков в единую корпорацию.

В создании предметов художественной бронзы принимали участие скульпторы, исполнявшие модели, литейщики-чеканщики, отливавшие и начерно чеканившие изделия, и чеканщики- позолотчики, завершавшие чеканку и золотившие готовые произведения с помощью амальгамы. Бронза была прекрасным материалом для изготовления разнообразных предметов убранства интерьеров, для выражения смелых замыслов художников-орнаменталистов.

Профессионализм бронзовщиков позволял создавать как крупные предметы, так и мелкую пластику. Широко применялись накладки, украшавшие мебель и одновременно увеличивавшие ее прочность. Повсеместно были распространены бронзовые светильники. Особенно ценились изделия выдающегося бронзовщика второй половины XVIII в. П. Гутьера. Его бра и канделябры отличаются тщательностью проработки отливки, сочетанием блестящей и матовой позолоты, изобретение которой приписывают этому мастеру. Канделябры, выполненные в форме треножников, и бра в виде декоративных перевязей получили распространение в последней трети XVIII столетия.

Орнамент. Принципы классического орнамента проникли и в ткачество. Рисунок тканей классицизма стал менее подвижным и более строгим. Прямые полосы, мелкие, сухо трактованные цветы, изображения пасторальных атрибутов стали основными элементами орнамента.

Вошли в моду обивочные ткани с помпеянским узором, часто заключенным в овальные, ромбовидные или прямоугольные обрамления. Обычно на красном, зеленом, голубом или желтом фоне выделялся кремовый или белый узор со светотеневой разработкой. Большую роль в формировании стиля тканей последней четверти XVHI в. сыграл лионский ткач, рисовальщик и фабрикант Филипп де Лассаль.

В творчестве Лассаля проявились доскональное знание техники производства и талант декоратора. Его узоры с большим раппортом лишены дробности. Гирлянды, венки и букеты он сочетал с изображениями разнообразных птиц, элементами пейзажа, атрибутами земледелия, сельскими и античными сценами, обрамленными крупными цветами. Тканям Лассаля свойственны сочетания голубых, малиновых, желтых тонов и использование черного и темно-коричневого цветов для передачи светотеневой моделировки. Подобно многим мастерам эпохи, Лассаль сам воплощал свои рисунки в материале, что обеспечивало его произведениям единство замысла и исполнения.

Керамика. В эпоху классицизма возникает целая отрасль фарфорового производства так называемого бисквита — негла- зурованного фарфора. В стиле классицизма изделия из бисквита стали активно подражать античным камеям. Это были маленькие плакетки, медальоны, вставки для мебели, ювелирных изделий, часто имевшие характерный синий цвет фона (за счет применения французской синьки) и чистый белый рельеф.

Рожденный в фарфоре прием подражания античным камеям получил совершенно новую интерпретацию в интерьерном декоре классицизма. Большую популярность приобрели изделия английского фарфорового завода Веджвуда, специализировавшегося на изготовлении изделий из бисквита. Этот рожденный в фарфоре прием декора получил новую интерпретацию в оформлении интерьеров. Появился так называемый гризайль — рисунок, имитировавший лепнину, располагавшийся в менее «ответственных» местах интерьера.

Последние десятилетия XVIII в. прошли во Франции под знаком революции, в ходе которой на политическую арену вышел новый класс — буржуазия. В результате термидорианского переворота 1794—1799 гг. власть над страной была сосредоточена в руках первого консула Наполеона Бонапарта. В 1804 г. он был провозглашен французским императором — Наполеоном I. Стиль искусства наполеоновской империи, цель которого заключалась в утверждении и прославлении ее величия, получил название «ампир». Его хронологические рамки шире, чем время существования империи, и охватывает период 1790—1820-х гг.

 

Ампир — это завершающий этап развития классицизма второй половины XVIII в. Его формированию и развитию способствовало творчество многих деятелей французской культуры: живописца Ж.-Л. Давида, мебельщика Ж. Жакоба, архитекторов А. Балтарда, Т. Броньяра, Т. Хоупа. Но главными создателями официального стиля были придворные архитекторы Ш. Персье и П. Фонтен, прославившиеся как создатели проектов интерьеров. Для мастеров ампира по-прежнему характерен интерес к искусству античности.

Это обращение носило характер копирования древних памятников Греции, Рима, Этрурии и Египта. Типичное для ампира соединение в одном произведении форм и орнаментальных мотивов как классических, так и ренессансных барочных образцов создало предпосылки для развития эклектики в искусстве XIX в. Активное применение золочения, безукоризненное полирование и безупречная архитектоничность придают ампирным вещам подчеркнутую торжественность и некоторую холодность.

Декор произведений отличается строгостью отбора деталей, четкой организованностью, упорядоченным, несколько однообразным ритмом. Наиболее распространенными элементами орнаментики стиля являются гирлянды, листья аканта, рога изобилия, молнии, стрелы, лавровые венки, воинские атрибуты. Свойственная искусству ампирных мастеров декоративность проявилась в применении для украшения интерьеров фарфора, слоновой кости, перламутра, стекла, хрусталя, драгоценных и поделочных камней, а также в использовании интенсивных, богатых глубокими оттенками, нередко контрастных цветов: пунцово-красных, черно-синих, изумрудно-зеленых, сочетающихся с белым, золотисто-желтым, серебристо-серым.

Среди многоцветия внутреннего убранства жилища сверкало серебро: ажурные корзины, вазы, кувшины, бутылочные передачи, канделябры, декоративные обелиски, треножники. В столовых сервизах изделия из белого и золоченого серебра часто соседствовали с цветным и прозрачным стеклом, граненым хрусталем, с предметами из фарфора, обильно украшенными матовым и блестящим золочением.

В мебельном производстве еще более усилилась тяга к массивным бронзовым накладкам, а бисквитные изделия теперь приобрели монументальность, плотность фона, пластика их стала напоминать не прозрачную резьбу камей, а тяжелую гипсовую массу. Предметный мир активно украшался скульптурным декором в виде фигур египтянок, фавнов, купидонов, римских богинь.

Все это трактовалось со своеобразной помпезной грацией, пластичной текучестью объемов. Ампир породил удивительный предметный мир, как бы сотканный из воинской атрибутики, почерпнутой из римского арсенала: щиты, мечи, колчаны со стрелами, кирасы, военные топорики и др. В отличие от классицизма, ампир легко жертвовал комфортом ради смысловой выразительности, и мебель этого стиля часто отличалась жесткостью и неудобством. Даже фарфоровые вазы приобрели монументальность, сплошь покрылись золотом и сюжетными изображениями в виде целых картин, напоминая тяжелые, литые бронзовые предметы.

Орнамент. В целом, орнаментика ампира довольно эклектична, постоянно сочетает условные и натуралистические элементы и в этом смысле имеет определенную стилевую созвучность с декором эллинизма. Этот орнамент вбирает в себя все, что работает на главную его социальную задачу — утверждение власти империи. Активно используются обильные цветочные гирлянды, венки в помпезно-триумфальном духе, мотивы тяжелых драпировок знамен, аксельбантов и прочей современной ему военной атрибутики, создавая порой перегруженные композиции орнаментальных решений.

В период господства стиля ампир были заложены основы нового промышленного искусства, получившего развитие в дальнейшем. Это стало возможным после отмены в конце XVIII в. ремесленных корпораций и введения новых производственных специальностей. Традиционные приемы художественной обработки драгоценных металлов были механизированы: так чеканка была заменена штамповкой, гравировка — накаткой.

Широко использовались прессы и штампы, токарные и прокатные станки. Это позволяло получать безукоризненно ровные, гладкие ленты серебра определенной толщины. В результате применения машин формы и орнаментальные мотивы повторялись в произведениях разных мастеров. В повторяемости, ставшей неотъемлемой чертой стиля, были заложены основы стандарта.

При сборке вещей предпочтение отдавали механическому креплению деталей, широко применялись болты и гайки. Большинство новых технических приемов, использовавшихся серебряниками, было заимствовано ими у бронзовщиков.

Именно в декоративной бронзе впервые получила развитие чеканка на новой технологической основе — моментальное перенесение рисунка с матрицы под воздействием плавно нарастающего давления, а также «холодный способ» крепления отдельных деталей изделий, усовершенствованная технология золочения с градацией позолоты на матовую и блестящую. Среди мастеров бронзового дела ведущая роль принадлежала придворному мастеру П.-Ф. Томиру. В декоре его изделий использованы разнообразные варианты женских фигур: кариатиды, грации, богиня Виктория.

Металл. Применение новых технологий, удешевлявших и ускорявших изготовление предметов прикладного искусства, привело к созданию производственных фирм, которые объединяли сотни мастеров различных специальностей, и к организации торговых выставок, призванных выявлять и пропагандировать новые достижения художественной промышленности.

На выставках 1802 и 1806 гг. были показаны произведения выдающихся серебряников ампира: М.-Г. Бьенне и Ж.-Б. К. Одио — представителя известной династии ювелиров. В работах Одио и Бьенне много общего. Их художественная практика является примером нивелировки индивидуального стиля, типичной для мастеров ампирного серебра. Под руководством Бьенне работала фирма из шестисот мастеров, изготавливающих различные предметы: несессеры, шкатулки, веера, табакерки, трубки, зонтики, письменные приборы, мебель, вазы, канделябры, сервизы и парадное оружие. Для их отделки применяли разнообразные материалы: черепаху, кость, янтарь, сталь, стекло, кожу, дерево. Это было самое крупное в Европе ювелирное объединение.

Керамика. Наряду с серебряным делом широкое развитие в период ампира получило относительно молодое искусство фарфора. Большую роль в переходе от производства мягкого фарфора, характерного для XVIII в., к твердому фарфору сыграл директор мануфактуры, крупный химик и минералог А. Броньяр.

Технологическую базу нового производства создали такие открытия химиков мануфактуры, как получение теста, имитирующего бронзу, изобретение способа аппликации мягкого голубого фарфора на твердую белую основу, а также разработка богатой колористической гаммы росписи по глазури, дающей тончайшие переходы цвета.

Среди изделий из фарфора того времени преобладали изготовлявшиеся сериями тарелки. Их система декора неизменна: цветные борта и непрерывный фриз с золотым или полихромным растительным орнаментом, дно, украшенное букетами, речными, морскими, сельскими пейзажами, жанровыми композициями, нередко копирующими фламандцев.

Борта, как правило, были зеленого, темно-голубого, теплого оранжевого или розового цвета. Мастера других центров фарфорового производства, возникших во второй половине XVIII — начале XIX в. в черте старого Парижа, подражали севрским художникам. Основным поставщиком фарфора для императорского дома Франции наряду с Севром было предприятие Даготи.

За первые шесть лет существования оно сумело завоевать известность и признание. Об этом свидетельствовала серебряная медаль, которой был отмечен основатель предприятия на художественно-промышленной выставке, состоявшейся в Лувре в 1806 г. С мануфактурой Даготи связано активное использование разнообразных цветных фонов в фарфоре стиля ампир. Специалисты фарфорового производства много работали над раскрытием утраченных рецептов глазурей, над имитацией различных материалов, it частности, цветного камня. Все чаще ими применялась машинная печать вместо ручной росписи.

С середины 1820-х годов прикладное искусство вступило н новую стадию развития, отмеченную рядом черт, характер- пых для всех его видов: бурным развитием машинного производства, усовершенствованием технологии изготовления изделий, выпуском массовой продукции.

Это было время создания художественно-промышленных школ и музеев, сыгравших значительную роль в развитии ремесел. В серебряном производстве наиболее существенным техническим новшеством было применение электролиза для покрытия изделий из меди серебром или золотом, запатентованное фирмой Ж. Кристофля. Это позволило перевести изготовление столовых приборов на промышленную основу.

В середине XIX столетия складывается художественное течение, получившее название «историзм». В его основе лежало обращение мастеров к таким стилям прошлого, как готика, ренессанс, барокко и рококо. Лучшие работы этого периода отличают высокий художественный уровень, осознанное следование образцам прошедших веков. Но во многих изделиях, особенно массового производства, подражание носило поверхностный характер.

Такие разные и громкие стили, как ампир и классицизм, сложились в очень небольшой отрезок времени, по сути, это исего лишь первая половина XIX в. Тем не менее, будучи отголоском древней эллинистической культуры, они заложили основы новых стилистических течений и интерес художественной среды к культурам древних миров и исчезнувших цивилизаций.