В последней четверти XIX в. мастера декоративно-прикладного искусства начали поиск новых путей развития. Их не устраивало дальнейшее сосуществование, а порой и смешение стилей, снижение уровня массовой продукции. Появилась потребность в создании единого стиля в производстве вещей, форма, декор и техническое исполнение которых соответствовали бы особенностям материала.
Новый стиль — модерн — возник в Париже и Нанси, а затем распространился по всей Европе. Характерно, что данное художественное направление в различных странах Европы носило разные названия. Так во Франции это был арт-нуво, в Германии — югендстиль, в Италии — либерти. Из многообразия факторов, характеризующих стиль модерн, следует отметить обращение мастеров к природным формам, воспроизведение текучих, волнистых линий растений, животных и их стилизацию.
Модерн изобрел свой специфический колорит, напитанный болотными, травянистыми оттенками буро-зеленого, коричневого, мутного, нечистого с примесью лилового, розового. В нем могли проявляться и более сильные тона: багрово-красный с контрастно-черным.
Орнамент. Модерн не смог породить достаточно четкой раппортной орнаментальной системы. Есть лишь некие характерные декоративные образования в виде асимметрично поднимающихся и вяло опадающих масс, подчиненных общим ритмическим закономерностям. От предшествующего этапа историзма у модерна сохранилась стойкая приверженность ко «всеядности»: он перепробовал в своей стилистической кухне буквально все — от мотивов древнеегипетского искусства до изображения капли воды под увеличительным стеклом. Но при этом и в самой истории художественной культуры модерн обнаружил свои пристрастия. Он классическое художественное воплощение культуры декаданса. Сильное впечатление на европейцев произвела в середине века выставка японского искусства, которая ознаменовала собой окончание двухсотлетней изоляции этой страны от внешнего мира.
Искусство Японии основано на совершенно иных эстетических канонах: неприятии симметрии и раппорта, необычайной утонченности, эстетизме. Все это сыграло свою роль в формировании будущего стиля. Но наиболее существенной исторической составляющей модерна стала стилистика поздней готики. Именно в ней увидел образец для подражания основоположник западноевропейского модерна, английский художник, предприниматель и теоретик Уильям Моррис.
Модерн со своей стилистикой буквально вырос из пламенеющей готики. Начиная с подражания, стилизации, он породил и свою собственную стилистику. Готические композиции стали словно расплываться, деформироваться, превращаясь из математически выверенных когда-то структур в аморфные, вялые, словно растительные переплетения. Возникнув как некая антитеза индустриальному миру, это искусство смогло выразить только идею кризиса своего времени. Идея незаконченности, непредсказуемости результата доводится до абсурда.
Модерн явился художественным выразителем завершающего момента духовного падения европейской культуры. И тот рубеж, который он увековечил своим существованием, был рубеж между Новым и так называемым Новейшим временем, во многом базирующийся уже на совершенно иных материальных и духовных основах.
Если в первый период своего существования стиль модерн имел во многом как бы прикладной характер, часто просто украшая индустриальные поверхности архитектурных фасадов или предметов быта, то постепенно ритмы, рожденные его стилистикой, начинают втягивать в свою орбиту и саму форму.
Зрелый стиль модерн породил причудливые очертания вещей различного назначения, вплоть до интерьеров и экстерьеров зданий. Рациональная, конструктивная основа оказалась глубоко спрятанной в толще массы, словно растекающейся, расплывающейся. Аморфные, асимметричные формы вторили ритмам декора. В наследство от готики модерн получил интерес к цветному стеклу, к витражам.
Постепенно их готическая яркость тускнеет, приобретая характерную для модерна гамму блеклых тонов, среди которых особенно популярен лиловый цвет. Наиболее выразительной декоративной находкой стиля модерн следует считать его знаменитый орнамент в виде резкой, петлеобразной кривой. Он ярко проявился в декоре кованых решеток, благодаря своей внешней выразительности и в то же время совершенной элементарности решения. Эффектный силуэт этого орнамента был квинтэссенцией стиля модерн и стал его своеобразной визитной карточкой, как рокайль в стиле рококо.
Стекло. Крупнейшим мастером модерна, сыгравшим ведущую роль в истории французского и мирового стеклоделия рубежа веков, был Э. Галле. С его именем связан технический прогресс в стекольном производстве: возрождение стеклодувной техники XVI в., открытие забытых технических приемов изготовления филигранного и полихромного стекла, эмалевой росписи по стеклу, инкрустации, разработка новых форм.
Он изобрел новую технологию камейного стекла. Он не срезал верхние слои стекла, а постепенно смывал их кисточкой, смоченной в плавиковой кислоте, добиваясь таким образом мягких переходов тона и выразительных живописных эффектов. В декоре Галле обращался, в основном, к растительному миру, но иногда изображал животных.
Он применял золотую и серебряную фольгу, блестки слюды и асбестовые волокна, стремясь придать стеклу вид натуральных камней. Галле создавал как уникальные произведения, так и модели для серийного производства. Многие его модели послужили образцами для других французских стеклоделов, в частности, для братьев Даум. Опираясь на технические разработки Галле, братья Даум вносят в изготовление изделий из стекла элемент новаторства. В отличие от Галле, они стали делать цветным внутренний слой предметов.
Луис Комфорт Тиффани, американский художник по стеклу, продолжал работать в духе парижского криволинейного модерна. В 1880 г. он запатентовал свое «радужное» стекло (favrile glass — стекло с иризацией), техника производства которого заключалась в обработке нагретого стекла парами разных металлов и окислов.
Только применяя эту технику, можно было передать мерцание крыльев стрекозы или радужное оперение павлиньего хвоста; податливость стекла больше располагала к завиткам, кольцам и волнистым линиям, чем к вертикалям, квадратам и прямоугольникам.
Стиль ювелирных украшений Тиффани был основан на изысканном сочетании бриллиантов с платиной и белым золотом. Коммерческое направление тоже не стояло на месте. Роскошные украшения должны были вызывать у окружающих восхищение и уважение. Ювелиры откликнулись на это не только расширением старых фирм, таких как Картье и Фуке, но и появлением новых: Булгари, Каррера и Каррера.
Металл. Одним из самых замечательных мастеров этого времени был Рене Лалик. Он довел технику литья до совершенства, возродил витражную эмаль, широко использовал в своих произведениях переливчатые эмали живых горячих цветов. Важнейшей заслугой художника стало переосмысление значения украшений для человека.
Принципиальным был отказ от демонстрации благосостояния заказчика. Лалик создавал образы своего времени, подчеркивая и оттеняя характер и индивидуальность. Как ювелир он прославился уже в начале своей творческой деятельности. Им были созданы оригинальные гребни из рога, декорированные цветочным орнаментом из золота и других драгоценных материалов, брошь в виде женской головки с развевающимися волосами.
Из природных мотивов Лалик отдавал предпочтение простым формам: ирисы, садовый вьюн, ландыш. Оригинальность художника проявилась в любви к полудрагоценным камням, к тому времени вышедшим из моды.
В японском стиле работал А. Веве. Художник-коллек- ционер, располагавший великолепными образцами прикладного искусства Японии, он создал подвеску «Сильфида» в виде женщины-бабочки, крылья которой переливаются драгоценными камнями.
Это одно из наибюлее характерных ювелирных произведений арт-нуво. Идиллической трактовкой экзотических растений и насекомых отличаются работы ювелира Жоржа Фуке. Но настоящее признание Дому Фуке принесло сотрудничество его главы с художником Альфонсом Мухой. Одним из шедевров этого сотрудничества стал браслет «Змейка», изготовленный для знаменитой актрисы Сары Бернар.
Возрождение понятия «мужественность» вдохнуло новые силы в декоративное искусство. Прежнее, изощренное, криволинейное арт-нуво превратилось в новое, прямолинейное арт-нуво. Новатором в этом направлении был Чарльз Ренни Макинтош (1868—1928). Основным источником его вдохновения была кельтская культура, и это увлечение оказало непосредственное влияние на искусство арт-нуво в целом.
В начале 20-х годов западный мир все еще приходил в себя после Первой мировой войны. В то время большинство людей жаждало противоядия от ужаса и боли — развлечений, фривольности, легкомыслия. Тем не менее реакцией на безудержное легкомыслие и декадентство стал строгий, напряженный, бескомпромиссный стиль, который пережил войну, закалившись в ней.
Кубизм, вырвавшийся за пределы кружка Пикассо и Брака, с 1911 г. пытался частично примирить искусство с миром, который все ускорялся. В 1925 г. в Париже состоялась Международная выставка декоративного искусства, давшая новому стилю арт-деко его название. Стиль арт-деко был взращен в недрах кубизма. Это был кубизм, одомашненный для массового потребления. Если кубизм придал арт-деко его характерные формы, то русский балет дал ему цвета.
Русский балет внес новые, шокирующие цвета: ослепительно-оранжевый, изумрудный и желтовато-зеленый. Модные декоративные мотивы 20-х годов — ключ, из которого обильно и бесполезно струится вода; беспечные лани, газели и антилопы, самки оленей с оленятами, борзые собаки.
Термин «арт-деко» обозначает стиль, сочетающий в себе классичность, симметричность и прямолинейность. Как художественное течение он оформился в 1908—1912 гг. и достиг расцвета между 1925 и 1935 гг. Арт-деко был также известен как «джазовый модерн», «зигзаг модерн» и «обтекаемый модерн» — последний термин относится к формам, базировавшимся на обтекаемых силуэтах автомобилей, кораблей и самолетов.
Одним из ярких художественных направлений начала XX в. можно назвать стиль супрематизм. Известная французская художница русского происхождения, ученица К. Малевича, Н. Ходасевич-Леже в 20-е годы создала эскизы, многие из которых послужили образцами для серии ювелирных изделий, выполненных в 1970 г. мастером Д’Астре. Сочетания доведенных до схемы форм — круга, прямоугольника, треугольника, соединенных под разными углами, создают в предметах пластическую напряженность.
Арт-деко не избежал влияния еще одного замечательного явления в развивающемся искусстве Запада начала XX в. — абстракционизма. Новации абстракционизма связывают, в основном, с заслугами русского художника Василия Кандинского. Выражение быстроты движения с помощью скоростных линий и повторяющихся форм стало одним из любимых мотивов арт-деко.
К 1920-м годам относится возрождение шпалерного искусства Франции. Мастера отошли от практики XIX в., когда высшим достижением считались копирование живописных полотен, передача эффекта перспективы, наличие большого числа оттенков различных цветов. Художники XX в. основные пути обновления шпалерного ткачества видели в отказе от копирования сюжетов и приемов живописи, в поиске утраченного своеобразия и подлинной декоративности, необходимых для стенных ковров. Это направление в 30-е годы было поддержано и развито художником и картоньером Ж. Люрса.
Лак. Популярным материалом в эпоху арт-деко был лак. Жан Дюнан, дизайнер новомодной мебели, стал одним из ведущих специалистов по лаку среди мастеров арт-деко. От растительных орнаментов он перешел к геометрическим узорам и далее к панелям, разрисованным всеми видами сюжетов и стилей, от африканских и восточных мотивов до абстракции. Популярным дополнением его работ стала техника инкрустации толченой яичной скорлупой.
Стекло и керамика. Период возрождения и нововведений переживают стекло и керамика. Геометрические композиции позволили сформировать новый взгляд на керамику. Однако специфика керамики не позволила, в отличие от других материалов, усиливать геометричность изделий.
Новых технологических вершин в своей работе достигли стеклодувы. Такой податливый материал, как стекло, само по себе ставшее одним из символов модернизма, допускал применение любых технологий, будь то травление, покрытие эмалью, пескоструйная обработка, штамповка или гравировка, одинаково пригодных для достижения одновременно скульптурного эффекта и поверхностного декорирования. До матовой полупрозрачности стекло доводили с помощью алебастра. Металлические детали изготавливали из блестящего металла; хром, алюминий и сталь заменили классическую бронзу. Например,
Рене Лалик использовал литое, протравленное кислотой стекло с высокими рельефными спиралями. Кроме прочего, стекло использовалось в качестве архитектурного материала, ему же отдавалось предпочтение в процессе развития производства современной мебели и осветительных приборов.
К середине 20-х годов французы стали признанными лидерами в сфере декоративных искусств. Их произведения отличали тонкий вкус, пропорциональность и мастерская отделка, а цветовая гамма, утонченная роскошь и легкая фривольность делали их необычайно привлекательными.
Неповторимый облик мебели арт-деко придавали редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево, пальмовое дерево, бразильская джа- каранда, палисандр, а также контрастные сочетания традиционных шпонов. В число других популярных материалов входили лак, шагрень (кожа пятнистой собаки), акулья кожа, шкура пони, слоновая кость и сварное железо.
После Парижской выставки 1925 г. американские универсальные магазины, такие как «Мейсиз» и «Лорд и Тейлор», загорелись идеей формирования спроса на современную мебель путем организации публичных экспозиций. Подобные шоу помогли популяризации новых форм, в результате чего в 1930-х и 1940-х гг. Соединенные Штаты охватила мода на модерн в стиле арт-деко.
Обтекаемые силуэты новой мебели, выглядевшие так, словно были изготовлены машинами, пользовались огромной популярностью. Распространению обтекаемого стиля способствовало использование подобной мебели при съемках голливудских фильмов. Стильность мебели достигалась путем покрытия обычных, массивных прямоугольных форм светлым шпоном красного дерева и бежевым лаком или созданием обтекаемых форм и силуэтов из гнутой фанеры.
Ручки изготавливали из бронзы или просто заменяли их углублениями для пальцев. Популярны были сочетания черного и светлого лака. А жизнь в новых домах-небоскребах предполагала в целях экономии места использование многофункциональной мебели. Промышленная мебель Марселя Бройера из хромированных стальных трубок не противоречила принципам арт- деко. К 1929 г. уже несколько фирм занимались выпуском продукции из стальных трубок. Прочность стали позволила создать изделия из непрерывно изгибающихся сегментов и сделать революционный шаг в мебельном дизайне.
Ювелирное дело. В драгоценных украшениях этого времени использовались бриллианты. С ними работали ювелиры фирмы Картье. Но в произведениях таких художников, как Жан Фуке и Раймон Тамплие, благородность материалов не имела принципиального значения.
Наряду с золотом и цветными полудрагоценными камнями они использовали сталь, серебро, кость, дерево, эбонит и т. п. Более того, можно сказать, что в их произведениях доминирует четкая графика форм, контраст белого и черного, холодного и горячего, протяженного и замкнутого — составляющие образа эпохи механизации мира. 13 изделиях коммерческого направления все чаще появляются фигурки животных.
К таким вещам относится знаменитая «Пантера» Картье, которая в течение нескольких лет оставалась брэндом фирмы. Но порой такие изделия имели довольно вычурные формы. Выставка 1937 г. показала, что накануне новой войны наметился определенный возврат к мягким изогнутым линиям. Все же главным принципом оставались строгость форм и гармоничность пропорций.
Декоративное искусство 30-х годов стало более идейно направленным, чтобы соответствовать новому настроению общества. Это настроение было обусловлено банковским кризисом 1929 г. В 30-е годы доминировали такие орнаментальные мотивы: зигзаги молний, стилизованные прически в неоклассическом стиле, солнечные лучи, эмблемы, появившиеся почти на всем, от коробочек с патефонными иголками до калиток пригородных садиков. Этот мотив стал символом «зари новой жизни», а также ассоциировался с богатыми путешественниками 1930-х г.
Новые художественные течения, сложившиеся на заре XX в., — модерн и декоративное продолжение этого стиля арт-деко — стали результатом своего времени. Время новых открытий, технологий и сложения дизайна повлияли как на некоторую усложненность арт-нуво, так и на символизм и «роскошную» простоту арт-деко. В свою же очередь эти художественные течения сформировали многообразные стили в прикладном искусстве в последующее время.
