История гончарного искусства*

Одним из древнейших промыслов, известных человечеству, можно назвать керамику. История керамики насчитывает не одну тысячу лет. Своим происхождением она обязана мастерам Древней Греции, которые увидели невероятное чудо: как обыкновенная глина под воздействием огня превращает­ся в крепкий и прочный материал. Получаемый продукт нашел себе разностороннее применение — от различных храмовых статуэток до роскошных настенных панно. Но главной областью применения было все-таки жилище человека, где появилась разнообразная посуда. Впоследствии возникнет определение «художественная керамика».

В Новгороде с XII в. существовал Гончарный конец — часть города, заселенная ремесленниками-гончарами. В Москве с конца XVI — начала XVII в. сохранились прекрасные рельефные изразцы с декоративными растительными орнаментами и изображениями фигур. Прославленные образцы русского керамического искусства XVII в. хранит церковная архитектура Костромы, Ярославля, украшенная пышными изразцовыми фризами. От XVIII в. сохранились декоратив­ные печные кафели с сюжетной росписью и орнаментами, которые вырабатывались в Москве и других городах.

Русское народное керамическое производство не ограни­чивается простым гончарством. В России начинают склады­ваться керамические промыслы. Это скопинская, гжельская керамика, дымковская, каргопольская, филимоновская кера­мическая игрушка. Все вышеназванные промыслы формиру­ются, начиная с XVIII столетия. Это время развивающейся торговли, многочисленных ярмарок, где народные умельцы могли реализовать свой товар. Немаловажным является и то, что мастера-керамисты не оставляли без внимания и детей. Для них производятся многочисленные керамические игруш­ки. Российский керамический промысел пережил как врем на подъема, так и времена спада. Годы подъема — это время возникновения различных школ, способов декорирован поверхности керамических изделий, а также модернизации совершенствования самого керамического черепка: от фаянса к фарфору.

Скопинский гончарный промысел находится в город Скопине Рязанской области. Простую гончарную глину использовали здесь издавна для изготовления всевозможно бытовой посуды: кувшинов, крынок, мисок. Учитывая ее утилитарную предназначенность, мастера-гончары особое внимание уделяли форме изделий, а для украшения ее применяли штампики, лепную оборку края. Еще они делали и груши Фигурки коней, птицы-свистульки, всадники имели очень лаконичную форму, без какой-либо деталировки и отделки Но посуду и игрушки покрывали цветной глазурью.

Во второй половине XIX в. начал складываться необычный характер вещей, по которому изделие Скопина отличалось от продукции других гончарных центров. Отличие состояло в том, что сосуды изготавливались ручной лепкой, как своеобразные скульптуры. Емкость как первооснова кувшина оставалась, но дополнялась лепными фигурами птиц, рыб и полуфантастических животных. В некоторых видах изделий фигура птицы или животного превращалась в кувшин или разновидность сосуда, в котором сложно переплетались не сколько фигур налепами, процарапанными или наштампо­ванными орнаментами. Сосуды представляли собой фантастическое сооружение, вызывавшее удивление.                                               ‘

Среди промыслов, занимающихся изготовлением глиня­ной игрушки, активно развивающихся и сегодня, одно из важных мест занимает дымковский. Его название связано с селом Дымково, что находится близ города Вятка. Дымков­ская игрушка, близкая по форме изделиям других промыслов, имеет характерные отличия в росписи. Вылепленная из красной глины, она после обжига окрашивалась разведенным на молоке мелом, сейчас заменой служат водно-эмульсионные белила. По белому фону выполняют роспись темперными красками. Звонкие тона красного, желтого, зеленого, синего цветов, иногда дополненные медной поталью (раньше ис­пользовали даже сусальное золото), создают яркую, жизнера­достную гамму росписи. Наряду с архаическими, сказочными

образами оленей, двуглавых коней, птиц в ассортименте иг­рушек появились изображения медведей, домашних животных, представленных в необычных ситуациях. Например, медведь-музыкант, играющий на балалайке, козел, одетый в смешные штанишки — все это усиливает ощущение ­праздничности, вызывает улыбку при общении с игрушкой. Из го­родского быта XIX столетия в игрушке фигурируют всадники, дамы, кавалеры, няньки и кормилицы. Жанровые сцены представляют многофигурные композиции, изображают сегодняшний быт города и деревни: гулянья, чаепития, цирковое представление, прогулку компании в лодке.

Самобытный традиционный промысел изготовления глиняной игрушки сохраняется в городе Каргополе Архангель­ской области. Начало промыслу положили мастера, жившие в деревне Гринево Каргопольского района. Поэтому в тематике игрушки основательно закрепились образы сказочных персонажей, жителей деревни, занятых повседневным трудом, сцены народных гуляний с катанием на тройках или в лодках по реке. Постоянно повторяются фигуры медведей, коней, оленей, собак. Фигуры людей приземистые, по-деревенски крепкие. Так же прочно поставлены олени, кони, полукони-пол­каны, всадники, юбки-колокола служат устойчивым основанием фигурам женщин-крестьянок.

Техника выполнения игрушек аналогична другим промыслам. Вылепленную игрушку обжигают, а затем расписывают клеевыми красками. В росписи можно различить две разновидности. При покрытии игрушки сплошь белым грунтом преобладает линейная, штриховая разработка декора. Цветными линиями отмечают главные детали одежды, черты лица и вносят контурные изображения условных листьев, цветов или геометрических фигур (круги, овалы, зигзаги). Другой, более насыщенный цветом вид росписи представляет собой раскраску значительной части фигуры синей, коричневой, зеленой, красной красками. Необходимые детали при этом выполняют цветными линиями, что придает очень живописный характер всей гамме.

Среди изделий народных промыслов Тульской области выделяется своей оригинальностью глиняная игрушка деревни Филимоново. Ее художественные отличия проявляются как в форме, так и в росписи.

Особенность местной глины заставляет мастериц при лепке несколько вытягивать в высоту любую фигуру. Особенно это заметно в лепке коней, коров, у которых получаются очень длинные шеи. Фигуры людей выходят стройными и до» вольно изящными, несмотря на общую утяжеленность кера­мической лепки. Учитывая эти особенности, мастерицы кабы корректируют пропорции фигур, расписывая их ­преимущественно полосками красного, желтого, зеленого цветов,. Декоративные элементы дополняют схематически изображенными розетками, напоминающими и солнце, и цветок, а также треугольниками, кружками и точками. Вся гамма pocписи красно-розового, зеленого, желтого цветов, эффектно играющая на фоне забеленной поверхности игрушки, придает, ей необыкновенную звучность и праздничность. Тематика филимоновской игрушки развивается в русле традиционного отражения деревенского и городского быта, полусказочных, полуфантастических образов. Здесь можно видеть танцующие пары (игрушка «Жених и невеста», которую мастерицы назы­вают «Любота»), музыканта, к шляпе которого прикреплено настоящее перышко птицы, солдата с птицей под мышкой или медведя с подарком, стоящего на задних лапах.

Русскому прикладному искусству присущи фаянсовые и майоликовые керамические изделия. Все существующее раз­нообразие заключается в обработке основного исходного материала. Это может быть глазурованный полив, это могут быть ангобы, это может быть рельефное скульптурное изображение по поверхности изделия. Но самым изящным кера­мическим материалом все-таки является фарфор. Родина фарфора — Китай. Тайна изготовления фарфоровой массы хранилась очень долго. Но уже к началу XVIII в. западноев­ропейские мастера стали воссоздавать фарфор и у себя на родине. Также интересен гжельский промысел с точки зрения развития орнаментальных мотивов и сюжетов, которые размещались по поверхности изделий, — от самых малых, иногда геометрических, до сложнопространственных сюжетных картин. И все это при меняющемся цветовом колорите. Ранние изделия Гжели напоминают предметы из крестьянского быта — такие же яркие, красноречивые. Гжельские глины долгое время считались лучшими в России. Из них была изготовлена первая в России майолика, первый полуфаянс и, конечно же, фарфор.

Кроме росписи, сосуды, чернильницы и другие изделия и если на себе богатый скульптурный декор. Одновременно гжельские мастера в большом количестве выделывали мелкую декоративную скульптуру и игрушки, жанровые фигурки и сцены.

На смену тяжелой и хрупкой майолике в начале XIX в. пришел полуфаянс — изделия с белым черепком, бесцветной прозрачной глазурью, украшенные скульптурой и синей под- глазурной росписью. Для этого вида керамики характерно продолжение декоративных традиций. Повторяются отдельные формы сосудов, плоскостное решение росписи. Особым видом полуфаянса были так называемые «бронзовые» изделия — посуда с росписью золотым люстром по светло-желтому фону. Изобретателем «бронзовой» керамики был A. Киселев, один из талантливых гжельских крестьян- самоучек. Им впервые введен в промысле ножной гончарный круг, применена более рациональная конструкция горна.

Особое внимание гжельские мастера уделяли поиску фарфоровой массы. Ведущие мастера воссоздавали этот уникальный материал на протяжении более чем 100 лет. И в начале XIX в. профессору Д. И. Виноградову это удалось. Фарфоровый черепок гжельского промысла стал не менее изящным, таким же тонким и звучным, как и его китайский собрат.

Подражая изделиям известных фарфоровых заводов России, гжельские мастера отразили в своих работах ведущие ху­дожественные стили, ярко проявившиеся во всем русском прикладном искусстве XIX в. Влияние западноевропейских художественных стилей сказалось и здесь: гамма сдержанна и лаконична, напоминает гризайлевую технику, которую в последствии сменяет привычный нам кобальт. Произойдет это во второй половине XIX в. Его сочетание с белым фарфором, подкрепленное золотыми отводками, составило новую линию развития искусства Гжели.

Но наряду с этим еще от времени преобладания гончарного производства сохранился и нашел свое выражение в фарфоре принцип целесообразного построения формы утилитарных предметов со множеством вариантов.

Мастера гжельского промысла создали самобытное нацио­нальное своеобразное искусство народного русского фарфора, которое даже оказало определенное влияние на изделия знаменитых частных русских заводов, таких как завод Попова, Гарднера, привлекая своей красочностью, выразительной ха­рактеристикой образов, простотой и декоративностью.

Только со второй половины 40-х гг. XX в. наступает подлинное возрождение традиций Гжели под руководством ученого А. Б. Салтыкова при участии художницы Н. И. Бессарабовой. Эта работа была связана с восстановлением народного приема росписи, где широкий мазок с прорисовкой деталей! создавал законченный рисунок орнамента. Одновременно шел поиск пластической формы изделий, имеющих опреде­ленное бытовое назначение.

Возвращаясь к вышесказанному, следует отметить, что гончарное искусство является распространенным видом дея­тельности человека на территории России. Глина такой же распространенный материал на русской земле, как металл или камень. Грамотное, целесообразное ее использование привело к становлению и развитию такого вида прикладного искусства, как гончарное. Отсюда разнообразие приемов и школ и достаточно быстрое распространение различных типов керамики. А проникновение разнообразных жанров прикладного искусства друг в друга дало многообразие форм как керамики, так и металлических изделий, и орнаментальных мотивов, которые переходят с глиняной поверхности на деревянную и металлическую, и наоборот.

www.tat-plast.ru

Трубы в интерьере*

Уже на протяжении двадцати лет АХСЖ, дизайнерский бренд компании, создает новое восприятие ванной комнаты: не просто как функционального помещения, но и жилого пространства. «В связи с этим основное внимание уделяется не самим продуктам, а пространству, разрушению устоявшихся схем поведения, а также открытому междисциплинарному диалогу»,- сказал Филипп Гроэ, руководитель бренда AXOR. Бренд находится в постоянном творческом диалоге со всемирно известными дизайнерами, такими как Филипп Старк, Антонио Читтерио, Жан-Мари Массо, Патрисия Уркиола, братья Бурул- леки и другие, к которым теперь присоединились шведское трио Front и японская студия Nendo. Шведские и японские дизайнеры представили свои проекты в рамках программы Axor WaterDream.

«В соответствии с нашим общим пониманием использования пространства, взаимодействия с водой и многогранности индивидуальных человеческих потребностей в этот раз мы сосредоточили внимание на душе, попробовав вместе с Front и Nendo открыть его новые грани»,- пояснил Филипп Гроэ, внук основателя компании. Попытка взглянуть на душ по-новому привела к появлению двух совершенно разных объектов: если Nendo нашла вдохновение в эмоциональном жизненном пространстве за пределами ванной комнаты, то Front обратилась к истории водопроводных систем, а точнее к истории их технической составляющей. Несмотря на столь разные контексты, идеи обеих студий имеют одну общую черту. Обе студии представили свои проекты в абсолютно увлекательной форме: путь света и воды интерпретирован удивительным, непривычным способом, а давно принятому функциональному и пространственному разделению жилой комнаты и ванной брошен вызов.

Axor WaterDream, представленный Софией Лагерквист, Шарлоттой фон дер Ланкен и Анной Линдгрен, позволяет нам наблюдать, какой путь проходила вода по первым водопроводным системам. «Front показывает нам, как то, что обычно скрыто

от глаз, может стать визуально привлекательной, ценной пространственной структурой»,- говорит Филипп Гроэ. А дизайнеры из шведского трио поясняют: «Сквозь призму нашего личного восприятия душевых процедур мы хотели бы привлечь внимание к технологиям, зачастую скрытым от наших глаз за стеной. Нам было важно показать то, что является исконным аспектом ванной комнаты — саму установку. Поэтому мы использовали самые простые компоненты, по которым к нам попадает вода: трубы, клапаны, муфты и воронки».

В японском варианте Axor WaterDream Оки Сато, творческий лидер дизайн- студии Nendo, легко погружается в искусные преобразования и трансформации концепций и смыслов. «Моей целью было объединить исконные элементы жилого пространства, свет и воду, таким образом, чтобы сделать душ еще более чувственным, таким, каким мы его еще не видели. В результате получился не просто душ и не просто лампа, а некий гибрид — волшебный фокус со светом и водой, доступный нам каждый день»,- прокомментировал 35-летний Сато. «Естественный союз света и воды растворяет границы между комнатами: тем, что традиционно располагалось в отдельных помещениях — лампа для чтения в гостиной, душ в ванной комнате,- теперь можно насладиться без привязок к определенному пространству»,- сделал вывод Филипп Гроэ.

магазин мебели для кафе cornertd.ru

История лаковой миниатюры и расписных подносов*

Одним из красивейших народных искусств России можно назвать расписные подносы. Ярким примером являются уральский и жостовский промыслы. В истории декоративно- прикладного искусства России этот промысел достаточно молод, но и он не избежал влияния единых художественно- стилистических направлений в области украшения и орнаментирования.

Единственный орнаментальный мотив, украшающий изделие, — это букет цветов. Изображения натуралистичны, а цветовая гамма разнообразна. Кажется, что на блюдо или поднос выложили живые цветы. С развитием промысла в орнаментированных изображениях стали использоваться не только цветы, но и ягоды, бабочки. Редкие подарочные изделия выполнялись в нетрадиционной манере, например, с использованием инкрустации из перламутра, поделочных или полудрагоценных камней.

Отличительной чертой всех подносов можно назвать черный фон, который придает всей изображенной композиции определенную декоративность и загадочность, хотя появление именно такого цвета обусловлено особенностью материала, из которого производятся изделия, и технологии производства. Одним из декоративных приемов, украшающих подносы, в частности, жостовские, можно назвать тонкую ажурную вязь по борту подноса.

Уральские расписные подносы стали изготавливать в начале XVIII в., в период развития металлургического производства, связанного также с выпуском листового железа. Яркая, многокрасочная роспись надолго закрепилась в Нижнем Тагиле. Здесь выковывали различных форм подносы: с просечным высоким бортом, с фигурными ручками. По загрунтованному металлу наносился цветной фон (иногда он имел несколько цветных полей), выполнялась с помощью кисти размашистая роспись в виде веток с цветами или букетов, некоторые элементы наносились даже пальцем. Роспись была плоскостной, грубоватой по технике исполнения и напоминала роспись по дереву и бересте. Но ее цветовые сочетания, крупные изображения растительных мотивов создавали нарядное убранство подносов.

На рубеже XVIII—XIX вв. в нижнетагильских подносах появилась сюжетная живопись профессиональных художников, создающая новое направление росписи, которое приближало поднос к декоративному панно. Среди сюжетов, украшавших такие подносы, встречаются мифологические и исторические сцены, городской и сельский пейзажи. Декоративный характер росписям придавали обрамления в виде гирлянд с цветами, веток, исполненных в один тон.

Строгие геометрические формы подносов соответствовали стилю того времени — классицизму. Подносы с сюжетной росписью выполняли тщательно, краски наносили тонким слоем, а затем закрепляли прозрачным и прочным лаком. Его называли хрустальным за то, что он почти не менял цвета живописи. Роспись по красному, синему, зеленому фону усиливала живописные эффекты.

Декоративная роспись подносов в Мытищинском районе Подмосковья стала развиваться в начале XIX в. Подносы изготавливали в селах и деревнях Жостово, Троицкое, Новосельцево.

Орнаментальная роспись стала главной темой украшения подносов. Букеты цветов, гирлянды, своеобразные натюрморты, в которых главенствует букет, получили естественное развитие в жостовской росписи, так как их изображение соответствовало самой системе декоративного письма. Роспись выполняют приемами свободного кистевого мазка, без предварительного нанесения рисунка. Композиция букета всякий раз исполняется импровизированно. Чаще всего букет пишут на черном фоне, из глубины которого как бы вырастает объем цветов и листьев. Делают это путем постепенной проработки формы, переходом от темного тона к более светлым. В росписи как будто оживают розы, тюльпаны, хризантемы и другие садовые и полевые цветы.

В уникальных работах цветовая гамма росписи обогащается вставками перламутровых пластин, изображениями птиц. Для завершения композиции по краю поля или на пластично развернутых бортах подносов выполняют «золотой» орнамент, графический рисунок которого подчеркивает живописность росписи.

Уникальным видом народного творчества можно считать лаковую миниатюру. Она выполняется на изделиях, выполненных в технике папье-маше. Материалом для изготовления: служит картон. Ленты его смазывают клеем, навивают на деревянные или металлические каркасы, соответствующие размеру и формам будущих изделий. Высохшую заготовку снимают с каркаса, пропитывают льняным маслом и просушивают. В результате такой подготовки материал приобретает новые качества. Его можно пилить, строгать для сборки коробочки, подклеивать донце, собирая крышку и придавая предмету нужную форму.

В дальнейшем полуфабрикат шпаклюют, нанося несколько слоев грунта. Высушенную форму подвергают шлифовке, а затем покрывают черным лаком. Внутреннюю поверхность покрывают красной краской и закрепляют несколькими слоями бесцветного лака. На таком изделии выполняют живопись, которую тоже закрепляют слоями бесцветного лака. Всю поверхность изделия тщательно полируют до образования зеркальной глади. Такая отделка превращает шкатулку в изящный предмет. Главным украшением изделий из папье-маше является лаковая живопись, содержание которой необыкновенно широко по тематике.

История происхождения лаковой миниатюры корнями уходит в русскую иконопись. Первые образцы изделий, выполняемые в технике папье-маше, по способу орнаментации напоминают иконное письмо. Лаковая миниатюра — это мелкие художественные изделия: шкатулки, табакерки, коробочки и многое другое — всякие мелочи, так необходимые каждой женщине. С учетом вкуса покупателей такой продукции складывается своеобразная тематика изображения.

Чаще всего это пасторальные сценки, идиллические пейзажи, сценки охоты и развлечений, а также сказки. Но путь к таким сюжетам был непрост. Чаще всего лаковые промыслы складываются в местах и селениях, где были сильны иконописные традиции. Композиции первых лаковых шкатулок напоминали житийные иконы. И расположение клейм, и линейность расположения сюжетов, и иконописные традиции в изображении совсем нерелигиозных сюжетов — все говорит о сильных и глубоких традициях в этой области искусства.

В России несколько достаточно известных лаковых промыслов. Это Федоскино, Палех, Мстера и Холуй. Каждый из них самобытен и имеет свои отличительные черты. Федоскинская лаковая живопись на протяжении истории своего развития ориентировалась на образцы русской классической живописи. От нее же она восприняла технику многослойного письма масляными красками. Выбор картин для копий определялся их популярностью в русском обществе.

Сюжеты летних и зимних поездок на тройке закрепились в федоскинской живописи на долгие годы. «Тройки», «чаепития», пейзажи Подмосковья стали своеобразным символом России.

Федоскинская миниатюра выполняется всегда в окружении черного фона коробки. И даже не имея орнаментального обрамления, она хорошо приписана к фону смягченными тонами по краю миниатюры, выделением центра композиции и другими приемами. Реалистическая живопись миниатюры передает пространство, световоздушную перспективу, но не отрывается от предмета, не разрушает его целостность. Этому помогают декоративные приемы. Так зимний пейзаж бывает написан на пластине перламутра, занимающей всю крышку коробки. В этом случае ее цветовые переливы вступают в условные отношения с цветом живописи и придают миниатюре черты декоративности. Пишут федоскинцы и по металлизированному фону, что также создает эффекты декоративного качества. В искусстве Федоскина присутствуют и приемы откровенно декоративного орнаментального оформления изделий: цветная клетка-шотландка, роспись «под черепаху», инкрустация сканью, циновка, напоминающая игру гравированного по металлу рисунка под слоем прозрачной эмали.

Палехская лаковая живопись, следуя старинной технике иконописи, выполняется темперными красками. В характере живописи видно продолжение иконописных традиций, проявляющихся в удлиненных пропорциях фигур людей, в условном изображении памятников архитектуры и элементов пейзажа. Лаковая миниатюра органично взаимодействует с черным фоном шкатулки или пластины. Фон входит в композицию как его цветовая часть. Композиция миниатюры раскладывается на плоскости в виде фигурной цветовой мозаики. Рисунок всегда выразителен по силуэту и лаконичен, внутри проработан золотыми линиями. Эта штриховка придает всему изделию законченность и напоминает насечку золотом, а также ювелирные эмали. Палехскую миниатюру обычно сопровождает тонко исполненный орнамент, окружающий живопись и деликатно подчеркивающий край корпуса или крышки шкатулки.

Мстерский промысел имеет достаточно самостоятельный характер, хотя в основе своей опирается на иконописные традиции, но тем не менее отступает от них в сторону реалистической трактовки пространства и изображения человека. Мстерская живопись просветленная, из ее композиции исключен черный фон. Миниатюру пишут по закрытому белилами фону. Композиции художников связаны с тематикой сказок, легенд, песен, они полны поэтики и глубокого раздумья. Откровенно живописное решение работ способствует такому прочтению композиций. В Мстере создают вещи, в которых живопись оформляет все стороны небольшого ларчика или расположена фризом по корпусу круглой коробочки. Орнамент в мстерских шкатулках не только сопровождает живописную миниатюру, но и выступает как самостоятельное декоративное средство. Нарисованный тонкими золотыми линиями орнамент включает в свою систему цвет, акцентирующий главные части композиции как на крышке, так и на боковых сторонах крупных шкатулок и совсем небольших коробочек.

Холуйский промысел близок к палехскому по системе и приемам изображения. Мастера активно используют фон в организации плоскости, но применяют для фона не только черный цвет, обогащая колорит живописи, расширяя ее декоративные возможности. Используя некоторую условность в изображении человеческих фигур, мастера Холуя приближают их к нормальным пропорциям, но уделяют много внимания выразительности силуэта, певучести линий. В тематике холуйской миниатюры много сюжетов из русских народных сказок и былин. Используется золотой орнамент, сопровождающий живопись. Его ленты и узлы в некоторых работах занимают много места на корпусе изделия, подчеркивая камерность вещи.

Искусство росписи по металлу и папье-маше — молодое искусство России. Тем не менее это самодостаточное творчество, отображающее нравы и вкусы российского народа конца XIX — начала XX в. А подобное творчество, в свою очередь, дает возможность лучше узнать интересы и вкусы наших предков и формировать свои собственные.
бассейн купить

История стекольных промыслов*

Стекольное ремесло на Руси было известно еще в XI—XII вв. Тесные связи с Византией способствовали развитию производства смальты, которая находила широкое применение в киевских храмах. Получило распространение изготовление украшений из стекла, особой популярностью пользовались браслеты и бусы.

Археологические изыскания подтверждают, что в Киевской Руси было известно и выдувное стекло, в частности, шлемовидные сосуды и оконные диски, которые вставляли в круглые отверстия деревянных щитов, закрывающих окна в храмах. В этот период производство стекла ограничивалось рамками мастерских при церквях, где технология не позволяла достичь высоких температур, необходимых для получения прозрачного стекла, поэтому стеклоделы стремились добиться его цветового многообразия. Достоянием стекольного ремесла в Древней Руси следует считать обширную цветовую гамму и стойкую интенсивность цвета.

Говорить о развитии стекольного промысла в России можно с XVII в. Особенностью этого промысла является то, что он изначально формируется как промышленное производство. На императорском заводе производят предметы роскоши для двора и царской фамилии. На императорском заводе создаваемые изделия проектировались в существующих художественных стилистических направлениях: от рококо и классицизма до историзма.

Особенностью российского стекольного производства является то, что в нем нет никаких глубоких национальных традиций, а некоторые реминисценции русского народного искусства будут реализованы в художественном направлении — историзме, где стили неорусский и псевдорусский заново поднимают интерес к национальной старине. В большинстве своем производство стеклянных изделий было заимствовано из Западной Европы, в частности, из Италии, где традиции в этом виде творчества очень глубоки. Но несмотря на привнесенность промысла, мастера создали неповторимое лицо русского стекла. Мастера императорского завода известны своим умением гравировать на стекле, создавать сложные колористические решения.

В середине XVII в. в Московском государстве назревает потребность в организации собственного стекольного производства. Но в это время в России еще не были созданы экономические условия, позволявшие развивать различные отрасли мануфактурного производства и стеклоделия, в частности. В силу исторических причин русское художественное стеклоделие начинает свое развитие в форме царского предприятия, на котором изготавливали предметы «про обиход великого государя».

К 1668 г. относится строительство стекольного завода в царском селе Измайлово под Москвой. Первыми стеклоделами на Измайловском заводе были выходцы из Западной Европы, называемые в России «виницейца- ми». Стилистические особенности венецианского стекла получили признание в русской художественной культуре XVII в.

Формы изделий Измайловского завода, в целом, были близки традиционным формам русской металлической, керамической и деревянной посуды — это братины, чарки, кадочки.

Тонкостенное стекло Измайловского завода, по качеству близкое западноевропейскому в «венецианском вкусе», не позволяло широко использовать технику гравирования, которая была в это время особенно популярной в декорировании богемского стекла. Но уже в начале XVIII в. гравированный рисунок на стекле становится преобладающим видом художественной обработки изделий.

В конце XVII — начале XVIII в. по указу правительства были основаны новые стекольные заводы, продукция которых традиционно предназначалась для нужд царского двора. В этот период основным потребителем стеклянных изделий становится новая северная столица. Европейский характер петербургской архитектуры требовал совершенно иного, чем в русском зодчестве XVII в., освещения внутреннего пространства помещений. И потому постоянно растущая потребность в оконном стекле и зеркалах создала необходимость организации новых стекольных заводов под Петербургом.

К устройству стекольного производства были привлечены мастера из Западной Европы, в частности, Германии и Богемии. Основным видом продукции Ямбургского и Жабинско- го заводов под Петербургом становятся крупные дарственны® кубки и бокалы, декорированные матовым гравированным рисунком. В первые десятилетия XVIII в. активное звучание й русском искусстве стилистики барокко способствовало быстрому усвоению приемов гравирования по стеклу русскими мастерами, а также художественному осмыслению формы стеклянного кубка как выразителя основного стилистического направления в искусстве стеклоделия эпохи барокко. Отличительными чертами русского гравированного стекла становятся неглубокая, мягкая «живописная» прорисовка, лишенная резких очертаний, растительно-орнаментальный декор с цветками ромашки, маргаритки, иногда с круглой ягодкой клюковкой.

Время царствования императрицы Елизаветы Петровны — высший этап в развитии русского гравированного стекла. На Петербургском стекольном заводе работают преимущественно русские мастера, в совершенстве овладевшие техникой рисунка и резьбы по стеклу. Поташный хрусталь высокой прозрачности, твердости и блеска оказался превосходным материалом для создания на его поверхности пышных орнаментально-растительных композиций в гравированном декоре. Неглубокая матовая гравировка и композиционная сдержанность рисунка первой трети XVIII в. уступают место объемно моделированным и орнаментально насыщенным композициям. Гравированный декор русского стекла елизаветинского барокко избегает композиционной перегруженности, арабесковой бесконечности, присущих гравированному орнаменту богемских и силезских кубков.

Продукция столичных стекольных заводов на протяжении века оказывала влияние на развитие крупных частных мануфактур, которые, в свою очередь, старались выпускать свои изделия не только по их образцам, но и подражать работам иностранных мастеров. В 1740-е гг. гравировка на стекле заняла уже достаточно прочные позиции в изделиях купеческих мануфактур. Расцвет гравировального искусства этого времени, в основном, был связан с частными фабриками Немчиновых и Мальцовых. В первые годы существования частные стекольные фабрики выпускали посуду зеленого, реже белого стекла, но в 1730-х гг. в продукции более крупных фабрик все чаще встречаются гравированные или рисованные бокалы, стаканы, кубки. Основными мотивами гравированного рисунка на бокалах и штофах купеческих мануфактур были все те же вензеля и гербы, цветы и воинские атрибуты, которые в середине XVIII в. нередко покрывались золотой и черной красками. Наряду с матовой гравировкой в стекле частных фабрик получает распространение шлифованная резьба в виде стилизованных цветков ромашки и орнаментальных композиций.

Во второй половине XVIII в. производство в России художественного стекла продолжает развиваться. Функционируют старые и возникают новые стекольные заводы, как казенные, так и частные. Русские стекольные заводы второй половины XVIII в. в своем производстве ни по качеству, ни по количеству изделий не уступают европейским.

В 1780—1790-х гг. облик прозрачного стекла, украшенного гравировкой, приобретает иной характер, который закономерно связан со стилистическими изменениями, происходящими в русском искусстве второй половины XVITI в. Стиль классицизм оказал влияние прежде всего на процесс формообразования в стекле. Кубки классицизма сдержанны по своему эмоциональному звучанию формы. В 1780-х гг. на смену пышному декоративному оформлению резьбой и гравировкой приходит скромная орнаментальная порезка и крупный рисунок с веткой цветов на длинном стебле. Появление этого орнаментального мотива в украшении гравированного стекла связано с увлечением английским искусством, но также было влияние общего декоративного строя росписи фарфора Императорского завода. Изделия, украшенные цветком тюльпана, ромашки или гвоздики — так называемой «рисовкой аг- лицкой», — изготавливал завод князя Г. Потемкина; на фабриках графа Ф. Орлова тоже отдавали предпочтение этому виду декора.

Надписи-посвящения — это существенная часть декоративной композиции, украшающей провинциальное гравированное стекло, так как именно в них ярко выражен дух городской народной культуры. Они подчеркивают раритетность предмета, украшенного гравированным рисунком, его праздничное назначение.

Традиционность — явление, в целом, свойственное народному искусству, и характеристика продукции частных стекольных фабрик будет неполной без упоминания о народном стекле. Зеленое, реже бесцветное, стекло гутной работы, нередко

расписанное эмалевыми красками, было самым распростр ненным видом продукции мелких купеческих фабрик, харе тер которой формировался под воздействием черкасского’ Измайловского стекла. Ориентированное на широкие слои г родского потребителя, стекло частных фабрик обладало трад: ционной пластичностью гутных форм, в тематике его декор тивной росписи преобладали фольклорные мотивы, восход- щие к традициям народного городского искусства, во много близким лубку. Наиболее популярные формы этого стекла штофы, бутыли-сулеи, бочонки-барилки — почти без измене ний существовали на протяжении всего XVIII и даже XIX вй Свою форму бочонки-барилки заимствовали у деревянног бочонка, а обручи последнего в стекле превратились в гофри рованные налепные жгуты. Нередко их поверхность украшал: плоские круглые налепы из стекла, что придавало обычной1 форме ярко выраженный декоративный характер. К концу’ столетия формы гутного стекла становятся менее разнообразными, в росписи преобладают однотонные краски, чаще всего белая эмаль, почти не встречаются сюжетные мотивы, в основном, повторяются птицы и цветы. Типичной для этого времени является роспись четырехгранного штофа.

В последней четверти XVIII в. формы стеклянных изделий Петербургского завода и крупных частных фабрик становятся более разнообразными. Значительные изменения происходят также в их декорировании. В 1770—1780-х гг. появляется интерес к цветному стеклу. С этого времени цветное стекло изготавливали завод Г. Потемкина, Бахметьевский и Орловский заводы и другие частные мануфактуры. На Потемкинском заводе производили стеклянные массы разных цветов: фиолетовые, бирюзовые, алые, желтые. Они шли на изготовление посуды самых разнообразных форм, больших декоративных ваз, различных предметов для украшения интерьера.

Непрозрачное, бирюзовое стекло по технологии производства родственно «костяной материи», или молочному стеклу, появление которого закономерно связывают с проникновением в Западную Европу экзотического восточного фарфора. Создавая молочное стекло в подражание фарфору, мастера стремились уничтожить основное, специфическое свойство стекла — его прозрачность. Красочное декоративное пятно в росписи стекла «под фарфор» оживляется внутренним светом,

Присущим стеклу. Поэтому молочное стекло в полной мере гИШ1яется оригинальным видом стекла как выражение безграничных художественных возможностей этого материала. ; В России молочное стекло стало появляться в 1760—1770-х гг., когда русский фарфор был чрезвычайно дорог. Тематика и красочная гамма росписи таких изделий близки декору русского фарфора последних десятилетий XVIII в.

Кроме Императорского стеклянного завода «костяную материю» в последнее десятилетие XVIII в. изготавливали на Ьахметьевском заводе в селе Никольское. Продукция этого частного завода по своим высоким техническим и художественным достоинствам почти ничем не отличается от изделий из стекла Императорского завода. Художественная продукция высокого качества поставлялась в дома губернской и столичной знати, а в начале XIX в. ряд заказов был выполнен для царского двора. Три стекольные фабрики Н. А. Бахметьева выпускали разнообразную продукцию: сортовую посуду из простого стекла для широкой продажи, а одна из них выпускала даже хрусталь.

В 1780— 1790-х гг. развивается и переживает период блестящего расцвета искусство живописной декорации на бесцветном и цветном стекле. В украшении стеклянных изделий последнего десятилетия XVIII в. преобладают строгие элементы классического орнамента: гирлянды с дубовыми листьями, меандр, «жемчужник», акант, пальметки. Формы изделий становятся строже, их контуры приобретают более резкие очертания. Тулова рюмок, стаканов, кружек нередко обрабатывают вертикальной шлифованной гранью и декорируют изящной живописью золотом.

Последние десятилетия XVIII в. завершают эпоху становления, развития и расцвета русского художественного стеклоделия. Вместе с тем именно последнее десятилетие века послужило отправной точкой для возникновения новых художественных направлений в искусстве декорирования стекла, которые нашли свое яркое выражение уже в XIX в. В эти годы вновь возрастает популярность бесцветного стекла. Бесцветное стекло явилось переходным этапом к свинцовому хрусталю. Грань фацетом (алмазная), столь распространенная в конце XVTII в., превратилась в начале нового века в широкую шлифовку, декорирующую блестящий хрусталь эпохи классицизма.

К концу 20-х гг. активно изготавливается цветное стекл сочетании с бесцветным хрусталем или молочно-белым с лом. Широко стало применяться двух- и трехслойное сте Орнаментировалось такое стекло при помощи той же алм ной грани. Несмотря на господство гранения в декоре, акт1 но продолжает использоваться и роспись, чаще всего разн цветная, по молочно-белому стеклу. Это разные орнамен вензеля, пейзажи, жанровые сцены.

В первой трети XIX в. на Императорском заводе так производили цветное непрозрачное стекло — смальту. Из н делали подставки для декоративных ваз и фарфоров скульптур, вазы глубокого черного или темно-зеленого цве. с бронзовыми позолоченными ручками.

Во второй трети XIX в. в русском художественном стекл’ произошли значительные стилевые и технические изменений Основным техническим новшеством было трехслойное стек ло, которое получило широкое распространение. Трехслой’ ные стекла украшались иной алмазной гранью: на стекл прорезались бороздки, расходящиеся веером, или в форм звезды, или других геометрических узоров.

Немаловажное значение имело стекло конца XVIII в. и для: развития цветного стекла 1830—1840-х гг. В годы популярности исторических стилей были возрождены традиции производства цветного стекла и живописной декорации на многих отечественных стекольных заводах. В художественное стеклоделие устремились неостили: «китайский», «передневосточный», «византийский» и европейские стили: «греческий», «помпейский», неорококо. Победителем среди всех стилей вышел стиль неорококо, сильно отличающийся от своего прообраза — рококо XVIII в. — перегруженностью и нарядностью.

Сочетание разных стилей в русском художественном стеклоделии продолжалось до 1890-х гг., когда на смену им пришел стиль модерн, стремившийся к растянутым формам и причудливо изогнутым линиям, что хорошо согласовывалось с техникой изготовления стекла. Модерн удержался в художественном стеклоделии дольше, чем в других видах декоративно-прикладного искусства. Растянутые и неконструктивные геометрические узоры, причудливые травы и цветы стали излюбленными мотивами, которыми покрывались вытянутые вазы с мягкими обтекаемыми очертаниями.

В 1890-х гг. после объединения Императорского стеклянного и фарфорового заводов, стеклянный завод перестал производить изделия для продажи и мог не считаться с коммерческими соображениями, поэтому качество его продукции значительно улучшилось. Он производил прекрасное цветное многослойное стекло и бесцветный хрусталь. В подражание стекольному заводу в Нанси Императорский завод ввел новую технологию: многослойное цветное стекло обрабатывалось методом травления плавиковой кислотой. Получался узор, подходивший для стиля модерн: рельефный, одного или двух цветов с многочисленными оттенками на дымчатом или другом светлом фоне внутреннего стеклянного слоя
купить шкаф-купе в Москве

4 оттенка деревни: стиль кантри в интерьере*

Стиль кантри в интерьере – один из самых «древних». И один из самых «вечных».  Но если при его упоминании у вас в голове появляются образы петушков, русского орнамента и расставленных по забору глиняных горшков, читайте эту статью.

Кантри разный! И дизайн интерьера гостиной в этом стиле может отличаться.

Кантри родом из Америки

Мебель, оставшаяся от предков, кирпичные оттенки и ощущение легкой «захламленности» — главные характеристики дизайна. Американский стиль кантри получил черты:

  • Дорожки-«самовязки»;
  • Глиняная посуда и фигуры из бронзы;
  • Стиль мексиканских индейцев, использование перьев в интерьере.

Американский кантри уверенно заявляет о себе сочными, безумными, яркими оттенками.

Кантри родом из Англии

Элегантность, смешанная с долей вычурности, – главная характеристика стиля.  Он впитал дух Викторианской эпохи с ее сдержанным богатством, множеством тканей и дорогими камнями. Если вы собираетесь использовать английский кантри, имейте в виду особенности:

  • Дерево или камень на полу (в любом случае материалы должны быть натуральными);
  • Минимум мебели, каждый предмет из натуральной древесины;
  • Светлые оттенки (крем, слоновая кость, беж, нотки розового и голубого).

Английский стиль подходит владельцам шикарных загородных домов. А вот собственникам хрущевок он вряд ли сгодится.

Кантри из Франции. Его Величество Прованс

Очарование французской провинции, теплые оттенки и любовь к красоте воплотило это направление. В нем вы найдете:

  • Текстиль в клеточку;
  • На 100% натуральные материалы;
  • Природные краски и оттенки (оливковый, светло-бежевый, нежно-голубой);
  • Деревянная мебель и посуда;
  • Цветочные мотивы (мелкий цветок).

Французский прованс манит, очаровывает и приковывает внимание. Помните: никаких обоев и никакого искусственного пластика!

Кантри из Италии. Зажигаем!

Страстный, жизнерадостный и теплый стиль, в котором отражается душа роскошного итальянца. Характерным признаком «итальянца» в вашем интерьере станет использование ставен. Они спасают жилище солнечного народа от палящих солнечных лучей.

Особенности:

  • Использование морских мотивов;
  • Пол из натуральной древесины, изначально потертый;
  • Налет роскоши и шика, использование необычных деталей;
  • Нежная, мягкая цветовая гамма.

Кантри разный. Но всегда уникальный и наполненный душой, тонкими оттенками страсти и настроения страны.

подставки для цветов

Декорирование гостиной*

Какую комнату мы по праву можем назвать сердцем дома? Ну, конечно же, гостиную! Здесь собирается вся семья, сюда приглашаем друзей. И для того, чтобы она радовала наш глаз, нужно особо тщательно продумать ее дизайн, или привлечь к этому процессу квалифицированного специалиста.

С чего начнем? Посмотрим по сторонам. Существует множество способов украшения стен в гостиной. Мы можем изменить геометрию гостиной, возведя гипсокартоновые стены различной формы. Можем поиграть с поверхностью стен, использовав обои, великое множество которых выпускает современная промышленность. Нам не составит труда «прорубить окно в Европу», наклеив фотообои с изображением итальянской улочки или тихоокеанского пляжа.

Дизайнеры при декоре гостиной пользуются следующими приемами:

• Граффити – красиво, ярко, смело, и требует участия профессионального художника;

• Лепнина, прямая противоположность предыдущему методу – украшение стен рельефными фигурами (колоннами, молдингами, карнизами). Очень художественно будет сочетаться с фресками или ручной росписью.

• Украшение стен виниловыми наклейками, аппликациями, текстилем и даже вышитыми картинами.

• Можно пойти дальше и сочетать обои с фотографиями. Невероятно творческий прием, ограниченный только вашей фантазией. Тут главное не переборщить.

• В декоре гостиной интересно будет смотреться стекло. Интересный прием, нестандартное решение, лучистые блики на стенах…

Несколько советов от профессиональных дизайнеров интерьера

— Благодаря умелому декору можно сделать вашу гостиную гармоничной и уютной. Тщательно продумайте стиль или сочетание стилей, а также цветовое решение. Постарайтесь не переборщить с украшениями и предметами декора.

— Начать можно с выбора «света»: люстр, ламп, бра, торшеров и прочих канделябров. Причем, на этом этапе следует обращать внимание не только на изящество или образ, но и на функциональность светильника. Важно, чтобы он обеспечивал достаточный уровень освещенности помещения.

— Один из любимых женщинами этапов – выбор текстиля (занавески, гардины, тюль). Кроме того, что они должны сочетаться по цвету со стенами, важно запомнить правило: чем меньше комната, тем легче и не весомее должен быть текстиль. И, наоборот – в больших помещениях позволительно использовать тяжелые гардины. Ну, и конечно, их нужно сочетать со стилем гостиной. Золотистые с тяжелыми кистями занавеси будут нелепо смотреться в изящном «прованском» интерьере.

— А вот при выборе скатертей, покрывал и диванных подушек следует руководствоваться другим правилом: они должны уравновешивать интерьер. Если убранство комнаты выдержано в спокойной цветовой гамме, можно поиграть с яркостью и фактурой текстиля и, наоборот: в сочном, цветном интерьере хорошо будут смотреться скатерти и подушки пастельных цветов со сдержанной фактурой. Постарайтесь не переборщить с подушками, конечно, если гостиная не выдержана в японском или арабском стиле…

Украшение панно, картинами, вышивками… Их рамы могут быть оригинальными, но они не должны перетягивать внимание на себя. Вы можете вывешивать как отдельные экземпляры, так и целые группы, объединенные одним смыслом.

Вазы и цветы. Вы можете расставить по комнате несколько ваз, сочетающихся между собой, но постарайтесь подобрать цветы, которые не оставят равнодушными. Также можно посадить горшечное растение, которое добавит покой и уют в обстановку вашей гостиной.

Очень важна в интерьере правильная расстановка декоративных предметов. Если просто расставить их по полкам, может получиться лавка базарного торговца, а совсем не та красота и гармония, которой вы хотели достичь. В безукоризненном размещении предметов декора могут помочь идеи, взятые из интернета, журналов или советы профессиональных декораторов, ну, и, конечно собственная интуиция.

Декорирование гостиной
Декорирование гостиной

стеклянная перегородка